«La vie continue» est une suite musicale en quatre mouvements issue de thèmes composés à l’origine pour le court métrage intitulé Amère, dans le cadre d’un projet étudiant à l’UQAM en 2006.
Construite à partir de réinterprétations et de transformations du matériau initial, l’œuvre suit la trajectoire émotionnelle d’un couple confronté à une décision qui modifiera profondément leur rapport au monde, à l’amour et au temps.
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« Dans un espace sans contours » explore le moment où l’œuvre n’a pas encore de forme arrêtée. Ni message, ni intention claire : seulement un mouvement en devenir, une organisation lente de la matière sonore dans le temps. La chanson se tient avant le discours, dans un état d’équilibre instable où quelque chose commence à respirer sans parole.
Continuer la lectureRéflexions sur la création, l’intelligence artificielle et la multiplicité des formes
On entend souvent parler de musique comme d’un objet : une œuvre, une pièce, un titre, une version officielle. Pourtant, cette manière de penser la musique est historiquement récente et conceptuellement fragile. Lorsqu’on dit que « la musique avec un grand M n’appartient à personne », on ne nie ni le travail du compositeur, ni le droit d’auteur, ni la responsabilité artistique. On rappelle simplement une distinction fondamentale que notre culture a progressivement oubliée.
Avant d’être une œuvre, la musique est un phénomène. Une organisation du son dans le temps. Des hauteurs, des durées, des timbres, des tensions, des résolutions. Ces éléments n’appartiennent à personne. Ils existent indépendamment de toute signature. Un intervalle, une cadence, un rythme, une dissonance expressive ne sont pas des propriétés : ce sont des structures perceptives, presque des constantes de l’expérience humaine. À ce niveau, la musique est un langage possible du monde, pas un bien marchand.
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« J’ai laissé tomber mes fruits » part d’un geste simple et volontaire : lâcher. Ce qui est laissé tomber n’est ni renié ni perdu, mais confié à la terre. Le texte ne cherche pas l’élévation ni la réponse venue d’en haut ; il s’ancre dans un rapport direct au sol, au temps lent, à la transformation silencieuse. Les prières ne montent pas : elles sont déposées.
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Les deux œuvres réunies sur cet album sont issues d’un même point de départ : l’improvisation. Elles ne procèdent pas d’une démarche analytique ou musicologique, mais d’un rapport direct au matériau sonore, tel qu’il s’est présenté au moment de la création.
Dans le cas de Métamorphoses d’une improvisation – Bartók, deux improvisations initiales, réalisées dans un élan nourri par la fréquentation de l’univers de Bartók, ont servi de matrice.
Pour Métamorphoses d’une improvisation – Prokofiev, ce sont trois improvisations, motiviquement et thématiquement cohérentes, inspirées par l’énergie et la tension associées à Prokofiev, qui ont constitué le matériau de départ.
Au départ, c’était une chanson composée vers l'année 2015 et que j’avais nommée Nitch Nagen Zecks (consultez la page d'archive), ce qui ne veut rien dire du tout. Le thème est simple, entraînant, presque brut, avec des voix primitives que j'avais chantées à titre expérimental. En revisitant ce matériel, j’ai eu envie d’en faire un triptyque rythmique où chaque pièce explore un niveau différent de mouvement — du corps, de la pulsation collective et de l’esprit. Les trois variations - Body / Tribe / Spirit - forment une sorte de progression : un passage du physique vers le symbolique, du rythme instinctif vers la résonance intérieure.
Les illustrations suivent le même principe que la musique : trois variations autour d’un même thème. Pour Body, les teintes rouge-orangé évoquent la chaleur et l’impulsion du mouvement. Pour Tribe, une texture plus terre, presque fibreuse, renvoie au rythme primordial et aux résonances collectives. Pour Spirit, les formes spiralées plongent vers l’intérieur, là où la musique devient souffle et présence. Chaque image reste volontairement abstraite. Aucun corps, aucun symbole figuratif : seulement l’énergie brute, l’élan et la sensation. Elles servent de passerelle visuelle vers les trois niveaux de la transe.
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Untangled from You explore les zones floues entre attachement et émancipation. Portée par un slow rock chargé d’émotion, la pièce plonge dans une relation où l’on s’égare sous le poids des sentiments, avant de retrouver peu à peu son souffle. Le texte oscille entre dépendance, lutte intérieure et clarté retrouvée — sans jamais effacer la trace de l’autre. La chanson explore donc des thèmes de dépendance émotionnelle et de découverte de soi, en utilisant l’eau comme un puissant symbole d’immersion, de changement et de regénérescence.
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Bienvenue sur la page officielle de l’album The Loop Inside Your Brain — explore ses morceaux, ses visuels et ses idées, ainsi que l’univers sonore, les titres phares et les inspirations artistiques qui l’animent.
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Dans Never Again, la voix masculine, profonde et solidement ancrée dans le mix, se fond dans les nappes saturées et la rythmique martelée. Loin des contrastes mélancoliques de It Fades Within, sa chanson sœur, cette pièce érige un mur sonore continu, répétitif comme l’obsession d’un regret fugitif mais tenace. Les paroles, simples et tranchantes, expriment la douleur d’un instant manqué — une tache indélébile au fond de la mémoire — et le serment de ne jamais répéter la même erreur. Un morceau de dark pop / électro-pop tendu, à la frontière entre mantra salvateur et confession intime. À écouter avec It Fades Within pour découvrir les deux faces d’un même moment vécu par des voix différentes.
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Cette pièce de dark pop entraînante, It Fades Within, raconte l’histoire d’un élan fragile lancé dans le silence, et lance le projet The Loop Inside Your Brain (album à paraître en octobre). Elle ose un geste, un sourire, quelques mots, mais l’instant s’efface aussitôt, laissant place à l’incertitude. Comme le répète le refrain, «Feel the rhythm, feel the pain, it’s a loop inside my brain», la mémoire tourne en boucle, obsédante, entre désir et effacement. Le chant, d’abord retenu, devient plus rauque et émouvant, comme un cri du cœur qui se dissout dans la lumière déclinante. Au-delà du récit d’une rencontre manquée, la chanson explore cet espace fragile entre deux paroles tues, entre deux gestes jamais accomplis — un lieu où la douleur se fait lucide et presque sereine. Il faut écouter la version Never Again pour mieux comprendre les perspectives d’un même événement, vécu par deux individus qui ne se rencontreront jamais.
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